La "Madonna col Bambino e Angeli", conosciuta anche come "Madonna dal collo lungo", è una delle opere più rappresentative di Francesco Mazzola, detto Parmigianino, un pittore italiano del Rinascimento, noto per il suo stile manierista, che si distacca dalle tradizionali proporzioni e forme equilibrate, esplorando invece la curvatura e l'elongazione delle figure.

Parmigianino, nato nel 1503 a Parma, è una figura chiave del Manierismo, movimento artistico che emerge alla fine del Rinascimento. Il Manierismo si distingue dalla tradizione rinascimentale per una maggiore espressione individuale, una ricerca della perfezione formale e una certa artificiosità nelle proporzioni e nelle composizioni. La "Madonna col Bambino e Angeli" è un esempio emblematico di questo stile, con le sue figure slanciate e la tensione tra armonia e intenzionalità esagerata.

Il dipinto fu probabilmente realizzato intorno al 1535, durante il periodo in cui Parmigianino si trovava a Firenze. Il periodo è segnato da un rinnovato interesse per l'arte del Rinascimento e una crescente tendenza alla stilizzazione, un aspetto che si riflette chiaramente nelle sue opere.


La "Madonna col Bambino e Angeli" è un dipinto che si concentra sulla figura della Madonna, con il Bambino Gesù e due angeli, ed è celebre soprattutto per la figura allungata e sinuosa della Vergine, che le dà il soprannome di "Madonna dal collo lungo". La composizione si distacca dalle convenzioni rinascimentali di equilibrio e proporzione, favorendo invece una visione più stilizzata e allungata delle figure, particolarmente evidente nel collo della Madonna.

1. La Madonna
La Madonna è rappresentata al centro della composizione, seduta in una postura che evidenzia la sua santità e maestosità, ma anche una certa grazia distaccata. Il suo collo allungato è una delle caratteristiche più distintive dell'opera. In questo caso, Parmigianino non segue le proporzioni classiche, ma esagera deliberatamente la lunghezza del collo, creando un effetto elegante ma anche innaturale che evoca una sensazione di distacco dal mondo terreno e al contempo di un misticismo più elevato. Questa elongazione del collo è anche un segno di come Parmigianino abbia voluto rappresentare una bellezza ideale, che non segue le convenzioni naturali, ma una visione trascendentale dell'arte.

Il volto della Madonna è delicato e sereno, con un'espressione dolce, ma al contempo leggermente distante e contemplativa. La sua pelle è trattata con una sfumatura morbida, quasi luminosa, mentre i tratti delicati e il sorriso enigmatico creano un senso di serenità celestiale. I capelli biondi sono raccolti sotto un velario trasparente, che non copre completamente la sua testa, ma lascia intravedere la lucentezza della sua capigliatura.

Il vestito della Madonna è di un azzurro chiaro, simbolo di purezza e divinità, che si fonde armoniosamente con l'ambiente circostante. La morbidezza dei tessuti, come la veste che si drappeggia sulle sue ginocchia, è resa con grande maestria, accentuando l'elemento di luce e ombra che conferisce tridimensionalità alla figura.

2. Il Bambino Gesù
Il Bambino Gesù è posto sulle ginocchia della Madonna, con una posizione rilassata, ma la sua espressione sembra più vivace rispetto a quella della madre. Sebbene la sua pose sia naturale, l'atteggiamento del Bambino sembra un po' più solenne e meditativo rispetto a quello di altre rappresentazioni della Madonna col Bambino. Il suo corpo è morbido e tondo, e i suoi occhi grandi e innocenti trasmettono un senso di innocenza divina.

Il Bambino ha un gesto di protezione, con una mano alzata, che sembra quasi voler benedire o affermare la sua autorità futura. Anche qui, Parmigianino esagera leggermente le proporzioni, dando al Bambino un corpo perfetto ma idealizzato, piuttosto che aderente alla realtà fisica.

3. Gli Angeli
Dietro la Madonna, due angeli appaiono come figure che completano la scena, ma anch'essi sono allungati e stilizzati, con corpi aggraziati ma distaccati dalla realtà fisica. Uno degli angeli si trova in piedi dietro la Madonna, mentre l'altro è più vicino al Bambino. Questi angeli non sono figure statiche, ma sembrano fluttuare nel dipinto, con atteggiamenti delicati che accentuano la sensazione di leggerezza e spiritualità. Le loro ali non sono visibili, ma il loro comportamento evoca un senso di invisibile trascendenza.

Gli angeli, come la Madonna, sono rappresentati con un'attenzione particolare al trattamento della pelle e dei capelli, ma anche loro, pur nell’apparente grazia, sono figurine esageratamente allungate e idealizzate, con tratti e proporzioni non naturali, che rimandano alla ricerca di una perfezione stilizzata.

4. Il Paesaggio e Lo Sfondo
Lo sfondo del dipinto è molto semplice, ma funzionale nel mettere in risalto le figure principali. È presente un paesaggio molto sfumato che si perde gradualmente verso l'orizzonte, dando un senso di profondità all’opera. La luminosità che attraversa la scena proveniente dall'alto evidenzia ulteriormente le figure centrali e crea un'atmosfera di misticismo e spiritualità. L'uso sapiente della luce mette in risalto la grazia delicata delle figure, e l'effetto di sfocatura e di spazialità contribuisce a creare una visione di sospensione tra il divino e il terreno.


Parmigianino utilizza la pittura a olio per ottenere una resa morbida e vellutata delle superfici, che è uno degli aspetti più apprezzati della sua arte. La sfumatura delle ombre e la luce dolce che accarezza i corpi delle figure, in particolare la Madonna, conferiscono alla scena un’atmosfera eterea. La tecnica, che esalta le superfici morbide e lucenti, è utilizzata anche per enfatizzare la bellezza ideale della Madonna, la sensualità delicata del suo corpo e quella di tutti i personaggi, compreso il Bambino.

L'uso delle proporzioni allungate e della figura elegante, con una grande attenzione ai dettagli (come i drappeggi, la pelle, i capelli) rivela il modo in cui Parmigianino rompe con la tradizione rinascimentale, esaltando una bellezza che va oltre la realtà naturale. Le figure non sono più ragionevolmente proporzionate, ma sono concepite per ispirare meraviglia e stupore, accentuando l’elemento di idealizzazione tipico del Manierismo.


La "Madonna col Bambino e Angeli" di Parmigianino non è solo una rappresentazione della maternità divina, ma anche una riflessione sulla bellezza assoluta e sulla perfezione. La Madonna, con il suo collo allungato e la sua postura maestosa, esprime un ideale di spiritualità superiore che trascende la natura umana. La figura, con la sua bellezza puramente ideale, suggerisce l'unione tra l’umano e il divino, ma la sua proporzione esagerata rimanda anche al desiderio di rappresentare un mondo superiore, lontano dalla realtà fisica.

L’allungamento delle figure può anche essere letto come un tentativo di avvicinarsi al divino, cercando di suggerire che la perfezione estetica e spirituale trascende i limiti umani e fisici. Le figure, così estraniate dalla realtà, diventano una metafora della distanza tra l'umanità e il sacro, mentre la luce che le illumina simboleggia una santità inarrivabile.


La "Madonna col Bambino e Angeli" di Parmigianino è un capolavoro del Manierismo che sfida la tradizione rinascimentale e celebra la bellezza in un modo stilizzato e idealizzato. La Madonna dal collo lungo, con il suo corpo aggraziato e slanciato, è l'emblema di un'arte che cerca di esprimere non solo la bellezza fisica, ma anche un senso di trascendenza e spiritualità che va oltre la realtà. La sua bellezza è quella di una divinità, irraggiungibile e perfetta, e l'opera si inserisce perfettamente nella ricerca manierista di una perfezione ideale e quasi surreale.